En miroir du Cinéma du réel 2018 : sélection de films autour du documentaire Kinshasa Makambo

La BULAC  a sélectionné cinq documentaires pour la nouvelle édition du festival « Cinéma du réel hors les murs » qui se tiendra les 28 et 29 mars 2018 dans l’auditorium du Pôle des langues et civilisations, intitulée « Mondes en héritage et champs des possibles ». Parmi eux, le long-métrage Kinshasa Makambo de Dieudo Hamadi dresse le portrait de la jeunesse de la République démocratique du Congo, éprise de changements sur fond de violence et de combats politiques. Il sera projeté et suivi d’un débat avec le réalisateur le 29 mars à 20h.

Ce film invite à voyager en images, du documentaire à la fiction, dans l’histoire et la culture congolaises.

Pour l’accompagner, la BULAC vous propose une sélection critique de films issus de ses collections, disponibles pour le prêt et à la consultation sur place. Jusqu’au 2 avril, ces œuvres sont mises en valeur au sein de l’espace audiovisuel de la bibliothèque.

On the Rumba River, Jacques Sarasin

RDC/France – 2007 – 86′ – VOST

Bien qu’il précède Kinshasa Makambo de plus de 10 ans, ce documentaire lui fait écho de nombreuses manières.

© trigon-film.org

Dans leurs propos tout d’abord, nous retrouvons l’attachement au pays et à une population qui vit et lutte au quotidien au sein d’un système hostile aux démunis.

Le schéma narratif et esthétique est un autre point commun des deux films. Ils font cohabiter le style coup de poing, caméra à l’épaule, nous plaçant au cœur des événements, avec des ambiances plus calmes, où l’intimité laisse d’autres sentiments s’exprimer. À chaque fois, le spectateur est savamment immergé dans des moments de vie d’intense humanité, que ce soit dans la joie ou dans la douleur, qui dessinent un portrait sensible de la société congolaise.

© trigon-film.org

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Pourtant le cœur du propos des deux films est bien différent. Kinshasa Makambo donne à voir des personnages plongés dans une situation où la politique est au centre des passions ; le film est parfois ponctué de scènes violentes, voire même sanglantes.

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La « Rumba River » s’écoule sur un rythme plus tranquille. On y navigue à vue, avec sagesse. Ce sont des musiciens que l’on côtoie, dans un récité organisé autour du chanteur mythique Papa Wendo. À la manière du documentaire de Wim Wenders Buena Vista Social Club (1999), un groupe se reforme, des amis de très longue date se retrouvent et chaque instrument reprend peu à peu sa place. Le film est chapitré par des climax flamboyants de rumba, une musique qui surgit et s’impose aux spectateurs. Ce groupe d’instrumentistes et de chanteurs délivre alors, face caméra, une musique alors devenue très rare dans le pays.

Le réalisateur filme y compris les visages de ceux, voisins, passants, enfants et vieillards, qui s’arrêtent pour assister aux répétitions. Certains sont touchés, ils sourient et dansent, mais d’autres restent impassibles, las : même cette énergie n’arrive pas à les atteindre émotionnellement.

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C’est peut-être là que le filme surprend et trouve une signification au-delà de ses personnages et des situations qu’ils rencontrent. Il permet d’amorcer une réflexion autour de la place de la musique dans un monde en guerre, dénué de sens. Et à travers la musique, on peut élargir au lien social, à la créativité… Il pose la question de la part d’humanité qui survit dans une population meurtrie.

Le film permet de se laisser glisser de manière douce dans ces réflexions et de se laisser immerger par l’histoire de la République démocratique du Congo.

Lumumba, Raoul Peck

France/Belgique – 2000 – 85′ – VOST

« Ceci est une histoire vraie » : c’est par ce carton titre que débute le film de Raoul Peck. Il offre un cadre de reconstitution à certaines séquences de la vie de Patrice Lumumba, personnage emblématique de l’histoire du Congo, devenu premier ministre de juin à septembre 1960, lors de la vague de démocratisation qui anima le pays au lendemain de l’indépendance.

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C’est pourtant en suivant les codes du cinéma classique de fiction que le film narre l’ascension et la chute du personnage qui cédera la place au colonel Mobutu,  après seulement quelques mois d’exercice du pouvoir.

À travers la carrière de Lumumba, on suit l’évolution du climat politique et social qui agite le pays. Le film oscille entre deux niveaux micro et macro. D’une part les scènes d’intimité, au plus près des émotions de cet homme, acteur d’une histoire extraordinaire, d’autre part les remous des événements de la géopolitique internationale, animés par la guerre froide, les luttes anticoloniales et l’implication des puissances impérialistes.

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En suivant les codes du thriller hollywoodien, Lumumba permet de se plonger facilement dans cet épisode historique.

Congo Na Biso : la veille d’une démocratie, Chuck de Liedekerke

France/Belgique – 2006 – 70′ – VOFR

Les ressources naturelles du Congo pourraient en faire un des pays les plus riches du monde. Ce contexte, rappelé par Congo Na Biso, rend le destin paradoxal de la République démocratique du Congo encore plus impressionnant.

Après un bref rappel historique du passé colonial du Congo et du passage fulgurant par la démocratie, lors de l’accession à l’indépendance en 1960, ce documentaire entre dans le détail de l’histoire politique récente, depuis la chute du colonel Mobutu jusqu’aux élections du 30 juillet 2006, les premières depuis 40 ans. Construit de manière chronologique, il balaie beaucoup de thèmes importants : le clivage social, les rêves de démocratie, les différents régimes totalitaires plus ou moins déguisés, le rapport à la diplomatie internationale, et la guerre, qu’elle vienne de l’intérieur ou de l’extérieur du pays.

Ce documentaire est vecteur essentiellement de la parole politique, qui nous est transmise par des porte-parole politiques locaux, des représentants religieux, des militaires et quelques intervenants de la communauté internationale. On suit à la fois le feuilleton des appétits de pouvoir des dirigeants et la trame de fond historique, souvent tragique pour la population. Congo Na Biso n’oublie toutefois pas les paroles contestataires et donne la parole aux militants, opposants politiques, étudiants, enfants soldats, et surtout aux victimes rescapées des différents états de guerre et de catastrophes humanitaires qui ont frappé le pays. Sur cet aspect, le film se rapproche de Kinshasa Makambo. Certains personnages sont proches,  par leurs activités, leurs discours ou leur désir de changement pour la société congolaise.

Sa production est plutôt orientée vers la télévision, les plans alternent de manière classique des scènes de la vie au Congo, des images d’archives, des cartes, des graphiques, et des entretiens. Une histoire marquée par les conflit comme celle du Congo conserve des zones d’ombres ; il est intéressant d’observer comment le film s’y prend pour fixer une version des événements de cette période.

Le cycle du serpent, Thierry Michel

Belgique – 1992 – 82′ – VOST

Au début des années 1990, après la chute du mur de Berlin, Mobutu perd ses appuis occidentaux et desserre son emprise sur le pouvoir. Naît alors un élan de démocratisation, malheureusement illusoire parce que la crise économique grandit et se répand sur le territoire zaïrois. Les populations les plus pauvres souffrent de la faim et de la répression policière, pendant qu’une frange plus favorisée fait tourner l’économie.

Le cycle du serpent est un documentaire qui raconte cette période historique en essayant d’offrir une vision « de l’intérieur ». Les images d’archives, interviews et coupures de presses sont utilisées pour développer le propos, mais c’est bien souvent la caméra de Thierry Michel qui propulse le spectateur au sein de la vie locale.

Ce film explore très largement la diversité sociale du pays. Il met en miroir la parole des puissants et celle des plus démunis et révèle d’autres facettes de cette société, comme celle du dirigeant de petite entreprise, du riche homme d’affaire, en passant par le militaire haut gradé, l’orateur religieux galvanisant les foules… Tous s’expriment, souvent de manière solennelle, parfois avec le sourire ou le cigare à la main et le clivage social qui balafre le pays apparaît alors en grand.

Félicité, Alain Gomis

France/RDC – 2017 – 124′ – VOST

La diversité des couleurs, des décors, des émotions et des styles cinématographiques fait de Félicité un festival de saveurs pour le spectateur. Cette plongée vertigineuse propulse permet au spectateur d’approcher ce qu’on aimerait pouvoir se laisser aller à nommer « l’âme » du Congo.

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Dès la première séquence – un bar, la nuit – Félicité chante, la caméra virevolte, on est emporté. Au rythme envoûtant de la musique live s’ajoute celui de l’enchaînement des plans, tous porteurs d’une surprise. Gros plans qui scrutent des personnages au charisme affirmé ou qui suivent l’action quand ça rit, quand ça crie. Moments qui durent, pour voir les corps, les gestes, et écouter les voix, les bribes de conversations qu’on aimerait voir se poursuivre. Raccords fluides, puis cut, changement de plan juste après une réplique culte, ou un regard caméra. Son in, son off, temps réel, flash-back…

Tout au long du film, la mise en scène utilise avec subtilité la diversité des ingrédients du cinéma, qu’il soit documentaire ou de fiction, pour jouer en permanence avec notre perception. C’est une avalanche de fragments de vies, qui conduit le spectateur de décor en décor, d’une ambiance à une autre, dressant en chemin le portrait de cette population, et plus particulièrement de Félicité, le personnage principal.

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Cette narration est comme un bouillonnement permanent qui laisse éclater des séquences qui s’enchaînent et se contredisent, portent parfois le suspens, la poésie, la dureté de l’existence et des rapports humains, ou la solidarité et la pulsion de vie ; dans l’une la transe de la musique africaine, dans l’autre celle d’un air d’opéra.

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Si la musique est incontestablement un des personnages principaux du film, qu’elle soit ou non chantée par Félicité, il faut aussi mentionner la qualité d’écriture des dialogues. La langue est admirablement manipulée. Sa musicalité est un peu comme un liant pour ce feu d’artifice de plans disparates. Les dialogues sont brefs mais denses, ils sonnent d’autant plus juste. Cela crée une crédibilité, une force qui intensifie les changements de tons, particulièrement quand la parole se fait plus poétique, et contraste avec la dureté de l’histoire et des situations.

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De la force, il s’en dégage énormément grâce au personnage de Félicité. Cette femme de caractère est dure et renfermée au quotidien, mais touchante au plus haut degré quand elle chante. À plusieurs reprises dans le film, la caméra insiste sur son visage immobile, vide d’expression. Et lorsque que l’on connaît l’histoire violente et mouvementée de ce pays, son mutisme devient le support de mille interprétations.

Au sujet du film On The Rumba River, on a dit qu’il nous questionnait sur la part d’humanité qui survit au sein d’une population meurtrie. À la manière d’un conte moral, Félicité nous renvoie aussi à cette question. Et l’amour qui grandit et qui soude le trio se formant tout au long du film est comme une antidote à ce quotidien cruel, où les rapports humains sont froids comme le petit commerce.


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